“Animal é um filme profundamente comovente com uma mensagem política sutil para combinar com suas realizações estéticas.“

Cineuropa

“De tom melancólico, Animal é elevado pela atuação de Vlagopoulou. Ela já colaborou com Exarchou em Park, mas aqui, ela cria um retrato comovente de uma mulher presa em uma rotina que parece incapaz de mudar ou escapar. Suas feições tensas, cabelos loiros desgrenhados e olhos de panda ajudam a criar um retrato frágil de alguém em estado de exaustão.”

Screen Daily

“Ancorado por uma performance tridimensional, envolvente e totalmente viva de Dimitra Vlagopoulou – o tipo de trabalho que parece ditar o tom do filme – o segundo longa metragem de Exarchou é um trabalho que corta direto para o coração.”

Journey Into Cinema

“A interpretação de Vlagopoulou tem uma intensidade crua que você não ousa questionar, muito menos desviar o olhar.”

Eye For Film

“Como um retrato de uma mulher cuja vida a apressou enquanto ela não estava prestando atenção, Animal é excelente, não em pequenas partes graças ao desempenho difícil, mas vulnerável, de Vlagopoulou.

International Cinephile Society

“O desempenho de Vlagopoulou aqui é realmente algo para se ver. Ela nos conduz pelos picos e vales emocionais de sua personagem com intensidade e naturalismo brutos – juntamente com edição e design de som experientes, Exarchou prova que um filme com uma configuração tão simples quanto essa pode alcançar uma nova dimensão de ressonância emocional.”

Little White Lies

“Como um esquete de comédia estendido muito, muito além de suas boas-vindas, Yannick está convencido de que é engraçado, e o próprio Dupieux afirma com confiança: “99% dos filmes são chatos. Este não é”, mas infelizmente a declaração é apenas uma promessa vazia.”

The Film Verdict

“Quentin Dupieux escreveu e dirigiu uma comédia concisa, robusta e totalmente divertida de 65 minutos que levanta algumas questões muito sérias sobre a relação entre o artista e o público e testa sua conexão ao extremo. Um roteiro astuto, uma direção firme e algumas boas atuações são os principais ingredientes para o sucesso. Yannick é uma experiência cinematográfica verdadeiramente catártica e revigorante.”

Dirty Movies

“Quentin Dupieux, por sua vez, encontra o equilíbrio perfeito entre humor cáustico, incrivelmente engraçado, mas ainda assim desconfortável, e uma forma de afeto que cativa seu protagonista para o público, apesar da agressividade não filtrada do personagem. Tudo espremido em uma história reduzida que é delimitada por algumas reviravoltas simbolicamente edificantes, tornando este novo filme de Dupieux (que é claramente o herdeiro pós-moderno de Luis Buñuel) em uma raridade repleto de normalidade e um trabalho de concisão de primeira classe.”

Cineuropa

“Engraçado, mesquinho, tenso, surpreendentemente comovente, uma grande safra de Quentin Dupieux carregada pela louca humanidade do ator Raphaël Quenard.”

Cinema Teaser

“Engraçado e furioso, bruto e sutil, desleixado e completamente disciplinado, este filme perturbado também é talvez o filme mais saudável do ano: um manifesto multifacetado expondo a absurda falácia internalizada de que é preciso trabalhar para viver, quando é trabalho – como em, a impiedosa rotina diária – isso será a morte de todos nós.”

Variety

“Observar as deficiências de uma nação não costuma ser tão divertido. No entanto – ao contrário de obras miserabilistas de nomes como Ken Loach – “Do Not Expect Too Much From the End of the World” de Jude e suas farpas funcionam inteiramente porque Jude confia em seu público para apreciar o alcance do seu tom.”

IndieWire (A-)

“”Do Not Expect Too Much From the End of the World” desencadeia uma roda de ideias, raiva, citações e referências que vão de Bob Dylan ao Rei Charles, de Salman Rushdie a Elena Ferrante. Inquieto em espírito e prolixo em pontos, também é instigante e engraçado. Jude faz bom uso de Manolache e do elenco e, finalmente, consegue tecer todas as suas noções e digressões em torno da noção central de que as coisas podem mudar, mas a exploração é eterna.”

Screen Daily

“Uma obra-prima verdadeiramente ambiciosa, belamente complexa e profundamente convincente do pós-modernismo puramente lúdico, que nunca foi tão urgentemente necessária como no momento atual.”

International Cinephile Society (5/5)

“É mais um filme esquisito, nervoso, uma aventura experimental em que a narrativa é de importância meramente incidental, testando compulsivamente os limites e texturas da experiência contemporânea, sempre divagando e interrompendo-se e intrigado com o mundo filtrado pela tela do cinema, a tela do Zoom, 4K, 8K, livestream e TikTok e levantando um ruído branco contínuo de reclamação sobre a Romênia moderna: a degradação de seu espaço público, a miséria de sua contínua paixão por líderes fortes, seu racismo e sua incompetente adesão ao capitalismo e ao livre mercado. É também um filme sobre a produção da imagem: uma das personagens pondera o facto da morte assistida de Jean-Luc Godard – embora talvez o espírito de Godard continue vivo aqui em Radu Jude.”

The Guardian (4/5)

“Este filme deliberadamente não comercial, mas obstinado, pode ser genuinamente seminal em sua abordagem anárquica e totalmente individualista, deslizando a subversão discordante de Godard para um drama humano sombrio e cômico no estilo de Ruben Östlund.

Deadline

“Há algo eletrizante em um cineasta disposto a tratar o meio como um universo permeável, a colocá-lo em diálogo com diferentes formas de arte e a testar seus limites com tanta inventividade. Jude também se move através de seu material com liberdade ininterrupta, e a viagem é uma prova do poder transformador do cinema – o que ele pode fazer, o que pode ser.”

The Film Stage (A-)

“Brincalhão e provocador: a paródia infunde o mundo com cor.”

Journey Into Cinema

“A dramatização astuta da imagem e a exploração de questões sócio-políticas – na época em que os movimentos pró-independência estavam começando a se agitar – perde o foco e a vantagem, mudando perigosamente para o território da novela para o desenlace melodramático e previsivelmente ardente.”

Screen Daily

“Sweet Dreams é maravilhosamente filmado, magistralmente composto e bem enquadrado dentro de uma proporção da Academia, sua narrativa estilizada nunca para de cativar. As comparações com filmes como “The Favourite” e “Corsage” são inevitáveis ​​- esses filmes têm muito em comum e se encaixam perfeitamente no panteão de grandes peças de época incomuns.”

Little White Lies

“Sweet Dreams carece de uma sensação emocionante de imprevisibilidade, a possibilidade de sexo ou violência irrompendo do nada.”

IndieWire (B-)

“O diretor opta por uma abordagem estilizada do material, o que enfraquece até certo ponto a mensagem de violência inerente ao colonialismo. Uma visão mais naturalista e realista provavelmente teria atingido o alvo com mais força. O que não quer dizer que Sweet Dreams falhe em transmitir o ponto.”

International Cinephile Society (4/5)

“Apesar dos toques de afetação que se infiltram tanto em sua direção quanto em seu roteiro, Kerr em geral exibe confiança, habilidade e distinção estilística suficientes para marcá-la como um nome a ser observado.”

Screen Daily

“Os ecos vanguardistas do Velho Continente já são palpáveis ​​numa abertura à lá Melancholia, de Lars von Trier, em que uma família abastada brinca ao acaso por um elegante jardim, primeiro numa grande angular silenciosa e flutuante, depois numa tomada ruidosa permanente. E, mais tarde, a dialética ianque-europeia toma conta quando Kerr filma uma longa tomada de perfil de um jovem casal; uma imagem cativada pelo fascínio pelo cinema do húngaro Bela Tarr que levou Gus Van Sant a realizar a sua magistral Trilogia da Morte.”

Otros Cines

“Inspirando-se fortemente na onda atual do cinema independente americano, que por sua vez é construído sobre a base estabelecida pelos proponentes do cinéma verité, Kerr estabelece uma forte base conceitual que ajuda a guiar o espectador por essa versão cada vez mais estranha do mundo que ela pretende retratar, e faz de Family Portrait um dos filmes mais efetivamente peculiares do ano.”

International Cinephile Society (4/5)

“The Permanent Picture joga muito na parede, mas não fica muito atolado em se preocupar com o que pega. O resultado é um filme às vezes confuso e amorfo, mas satisfatoriamente pessoal: uma série de ideias unidas pela energia, emoção e sagacidade da direção de Ferrés.

The Film Stage (B+)

“The Permanent Picture é um filme com personalidade, uma beleza estranha, diferente de outros filmes de perda e reencontro que já foram vistos mil vezes. O seu maior trunfo reside na originalidade e liberdade com que Ferrés ousa contar a sua história de amor e solidão.”

Cineuropa

“Esteticamente, The Permanent Picture tem a elegância espartana e o naturalismo palpável de Ulrich Seidl : as tomadas amplas, a câmera estática, as tomadas longas, a ação lenta. Os personagens são socialmente desajeitados e estranhamente fascinantes em igual medida, bem como nos filmes de ficção de autoria do cineasta austríaco. E a história é credível.”

Dirty Movies

“Simples e evocativo, e verdadeiramente extraordinário na forma como capta a própria essência da humanidade, este filme prova ser uma estreia surpreendente para Ferrés e uma das obras mais instigantes do ano.”

International Cinephile Society (4.5/5)

“Sempre interessado nas potencialidades do cinema, na sua capacidade de retratar “outras” realidades, Lav Diaz joga habilmente com a temporalidade, obrigando-nos a focar-nos em detalhes e personagens muitas vezes esquecidos. Em suas mãos, alheio às regras inerentes ao mercado cinematográfico, a violência se transforma em poesia.”

Cineuropa

“Continuando com seus filmes mais contemporâneos e dedicado a enfrentar o violento governo ditatorial que ameaça seu país, Diaz adapta ligeiramente seu estilo a formatos um tanto mais clássicos. A palavra-chave aqui é “um pouco”, já que seus filmes permanecem calmos, quase lânguidos, com tempos prolongados –longas conversas ou longos silêncios– e inesperados desvios narrativos. O filme de Diaz funciona como um alerta brutal sobre uma realidade cruel que hoje ultrapassa as fronteiras das Filipinas.”

Micropsia

“Realista e fantasmagórico, documental e surreal ao mesmo tempo, Essential Truths of the Lake é um filme que às vezes peca por ser muito didático e enfatizar questões políticas (para um público internacional entender?), mas também é um filme cheio de cenas marcantes, que vão do contemplativo ao existencial, do cinema de gênero ao lírico. É, com os seus desníveis e excessos, mais um exemplo do talento, da audácia, da falta de complacência e do espírito sempre inovador e transgressor de um realizador decididamente único como Lav Diaz.”

Otros Cines

“Isto não é Zodiac ou Chinatown ou Memories of Murder . Essential Truths of the Lake é mais uma reflexão poética e lírica sobre um país e como ele foge dos direitos humanos, da justiça, da lei e da ordem; e quais são os ecos desse descarrilamento, como isso reflete nas pessoas e muda uma sociedade por dentro.”

International Cinephile Society (3/5)

“É um filme que se alimenta literalmente, e sempre com muito respeito, da vida das pessoas que o realizador conhece e que vivem em primeira mão as dificuldades da existência quando se vive na periferia de cidades-postal como Lisboa.”

Cineuropa

“Manga d’Terra funciona tremendamente bem como uma ode à cultura cabo-verdiana e à diáspora cabo-verdiana. Por outro lado, é apenas parcialmente eficaz como drama.”

Dirty Movies

“Uma fusão suave de blues e jazz, folk e fado , além de estilos cabo-verdianos distintos como a morna e a coladeira , as apresentações musicais de Rosa são um ponto-chave de venda aqui. Espontaneamente cantando enquanto ela vagueia por ruas secundárias iluminadas por neon ou terrenos baldios cobertos de entulho, ela eleva Manga D’Terra além de seu naturalismo de estilo documentário padrão em uma espécie de fantasia onírica de Jacques Demy. A carta de amor de Da Cunha à alma de um bairro moribundo pode ter personagens esguios e um enredo leve, mas essas vinhetas musicais também garantem um charme vencedor e uma humanidade de sangue quente.”

The Film Verdict

“Para que o cinema lento, cheio de intangíveis, funcione, os diretores devem nos dar algo em que nos agarrar. Não é apenas uma questão de duração – tomadas longas e exaustivas e movimentos repetitivos – mas também uma questão de estética . Com tomadas planas de média distância e imagens digitais enlameadas e desinteressantes, Stepne pode capturar a desolação e o isolamento de aldeias desoladas, mas foge de grande parte de sua beleza ou potencial perdido.  

Journey Into Cinema

“A estreia de Maryna Vroda com lentes ricas é um olhar melancólico para uma parte moribunda do nordeste da Ucrânia que parece intocada pela guerra atual e, embora a narrativa seja interessante graças especialmente ao protagonista, são as cenas semelhantes a documentários que são o coração do filme.”

The Film Verdict

“O maior problema com Stepne é que ele não consegue cativar os espectadores. Ele não possui a pompa narrativa nem o esplendor visual necessário para manter os espectadores presos por quase duas horas. Em vez disso, torna-se monótono cerca de 30 minutos desde o início.”

Dirty Movies

“Patagonia é uma das estreias italianas mais originais e envolventes que já vi em muito tempo, e Bozzelli é um nome com o qual podemos contar nos próximos anos.”

International Cinephile Society (4.5/5)

“A estreia de Simone Bozzelli, Patagonia, tem muito a recomendá-lo: lentes de Leonardo Mirabilia que refletem a energia nervosa dos protagonistas, um par de pistas excelentes negociando habilmente a tensão nervosa de seus personagens e uma visão interessante da dinâmica de poder e questões de liberdade. O problema é que a relação central, embora bem interpretada, simplesmente não é crível e, apesar de todas as discussões sobre liberdade, o próprio filme, inundado de homoerotismo cauteloso, não se permite a liberdade de retratar o sexo gay, que é implícita, mas nunca mostrada.”

The Film Verdict

“Fuorto é o grande destaque do filme, com uma atuação estonteante esbanjando desejo palpável, insegurança latente e profunda ingenuidade.”

Dirty Movies

“Dinâmicas afiadas, sequências altamente cinéticas e momentos de repouso se fundem quando começamos a atravessar a fronteira espaço-temporal entre o passado e o presente, o efeito da mudança geográfica evocando um devaneio ao estilo de Kaufman. Algumas escolhas desajeitadas de diálogo estragam um pouco esse efeito, mas Teles demonstra grande confiança em criar uma jornada engenhosa, apropriadamente desorientadora e profundamente identificável através das emoções de seu protagonista.”

Little White Lies

“Alguns momentos desorientam o espectador devido às escolhas estilísticas da narrativa do filme. No entanto, sua natureza errante se encaixa nas constantes baladas do personagem com amor, tempo e individualismo.”

In Session Film

“Baan serpenteia neste tom poético muito solto durante todo o seu tempo de execução, com o enredo se tornando cada vez mais errático e imprevisível; é revigorante, mas também confuso às vezes.”

Loud and Clear

“A narrativa de Baan é uma composição cubista solta. O público foi juntando as peças pouco coerentes, de vários tamanhos e formatos. Não está totalmente claro se esta é uma história de amor queer, um conto de amizade, uma alegoria de sororidade ou outra coisa. Às vezes, parece que a estrutura incomum é totalmente gratuita. Mais Kandinsky do que Picasso. Demora até o último quarto de hora deste filme de 100 minutos antes que a imagem fique clara. O resultado é requintado, se não totalmente impecável.”

Dirty Movies

“Uma estreia indisciplinada sobrecarregada por um diálogo lamentavelmente imaturo que encerra uma exploração impressionista potencialmente interessante do que “casa” significa em um mundo globalizado.”

The Film Verdict

“Inquestionavelmente um filme anti-guerra crítico da ocupação brutal de Israel, The Vanishing Soldier também é um filme que permanece muito no lado israelense das coisas, então o que o público obtém dele dependerá em grande parte de suas simpatias previamente estabelecidas.”

The Film Verdict

“Certamente é verdade que Israel é um lugar em um estado semipermanente de loucura nacionalista – mas The Vanishing Soldier não pode elaborar a declaração de tese incendiária de que precisa para ser relevante. Portanto, em vez do cinema político, temos o picaresco, uma coleção de cenas divertidas, mas nada importante para se agarrar. É tudo fumegante. Fumaça, mas sem chama.“

Journey Into Cinema

“O terceiro longa-metragem de Dani Rosenberg faz uma sutil, mas inequívoca declaração anti-guerra, sem cair em didatismo e panfletagem. Em vez disso, ele usa a psicologia de um indivíduo jovem e atormentado como uma metonímia para a identidade conturbada de sua nação e seu onipresente aparato militar.”

Dirty Movies

“A cena do cinema independente de Austin é um mundo independente, guiado por sua própria estética minimalista é admirável.”

The Film Verdict

“Todos nós já vimos filmes como “Lousy Carter” antes, e este é adequado, sem ser particularmente perspicaz ou memorável.”

Variety

“Despreocupado com polêmica ou enredo, é uma exploração lenta e nebulosa do lado mais decadente de Teerã que é tão indutora de sono quanto fumar haxixe em si.”

Journey Into Cinema

“Refletindo a raiva e a raiva na sociedade iraniana, particularmente entre os jovens, no espelho distorcido de carros velozes e excessos tóxicos, aqui está um filme que leva a alegoria a extremos emocionantes e freqüentemente desconfortáveis. É difícil acreditar que um roteiro tão direto, cheio de obscenidades duras e um prolongado orgasmo feminino, possa ter sido filmado no Irã.”

The Film Verdict

“Filmado sem permissão, usando câmeras escondidas e constantemente tentando contornar restrições que se mostraram oportunidades valiosas para experimentar novas abordagens cinematográficas, Critical Zone procura revelar, direta e instintivamente, o que fervilha sob a superfície de uma sociedade oprimida que está se rebelando da melhor maneira possível. pode, na escuridão da noite, contra regras que agora são desprovidas de significado.”

Cineuropa

“Williams fez mais um trabalho, estreando na competição internacional de Locarno, que consolida sua posição na vanguarda do cinema experimental global, especialmente na forma como essa categoria genérica convive com o mundo da arte contemporânea.”

Cineuropa

“Pontuado por uma abordagem editorial sábia que se torna uma linguagem própria, o filme é construído em torno de uma série de episódios que terminam com a tela escurecendo, como um olho fechando antes de encontrar coragem para reabrir. Porque o que “Obscure Night – Goodbye Here, Anywhere” descreve é ​​tudo menos algo fácil de observar. Forçando-nos a assistir ao que se desenrola nas ruas de Melilla, e muito mais, por três horas, enquanto a maioria de nós está dormindo em segurança em nossas camas, Sylvain George mais uma vez transforma o cinema em um ato político.”

Cineuropa

“A combinação da fotografia artística em preto e branco e o distanciamento do diretor em relação aos personagens criam uma sensação de estranheza e alienação.”

Dirty Movies

“Se a ousadia estrutural é o ponto forte do filme, é também o elemento que pode dificultar a conquista de um grande público com a mesma idade dos protagonistas, que já são deficientes porque obviamente nasceram depois de 1990, então alguns dos sócios -contexto político também pode estar faltando. Mas isso não tira nada do fato de que este é um cinema destemido, com o trabalho do diretor de fotografia Laurent Brunet e a figurinista Grazia Materia sugerindo tanto o prazeres sensuais e táteis da juventude, mas também suas tendências obscuras e indescritíveis.”

The Film Verdict